La interrogación del cuerpo a través de un apropiacionismo visual y material

Adriana Varejão una de las artistas contemporáneas más significativas de la escena artística brasileña. Exhibe actualmente en el Malba y en su retrospectiva propone un recorrido pictórico que circula entre la decoración azuleja y lo abyecto, entre el cuerpo cultural y el cuerpo de la pintura, entre Brasil, Portugal y China, entre la historia cultural y la historia del arte; es en ese cruce donde se da Historias en los márgenes.

Por Raúl Fernando Zuleta

Con el posicionamiento de la posmodernidad, muchos paradigmas que habían motivado al arte moderno quedaban desdibujados y, en cambio, otros postulados se instalaban, dando así apertura a un nuevo panorama formal y conceptual para el arte. Entre todas esas aperturas que se instauraban, la apropiación visual y material es la estrategia fundamental que cruza todo el trabajo pictórico de Adriana Varejão.

La apropiación artística es sin duda uno de los aportes y de las maniobras estéticas más fuertes que ingresan con la posmodernidad, donde la condición de creación y originalidad que había movido el arte hasta entonces dejaba de ser la principal característica de este. Por lo tanto, los artistas se podrían apropiar de cosas ya hechas, ya existentes, como imágenes, materiales u objetos, y darles un nuevo sentido o significación. Al respecto, Arthur Danto señala que los artistas posmodernos pueden acudir a todo tipo de fuentes, pero lo que no es posible es que esos elementos visuales y materiales se utilicen con el mismo propósito que lo tuvieron en su ámbito original; por ende, la apropiación o descontextualización artística consiste en extraer algo de un contexto e instalarlo en otro nuevo, generándole al elemento adoptado una nueva significación.

Esta dinámica la complementa Nicolás Bourriaud, al enunciar que estamos ante una despensa cultural sin precedentes, y tal condición la aprovecha al máximo Varejão, al apropiarse de imágenes y materiales de diferente procedencia cultural, para instaurar un juego conceptual y estético en sus pinturas; por consiguiente, hace cita de la historia cultural para reinventar y reconstruir una nueva historia, aquella que está integrada a estas Historias en los márgenes.

En este sentido, la posmodernidad provee a Adriana Varejão de un panorama que le permite no solo iniciar una extensa experimentación de materiales, formas y estrategias plásticas, sino además comenzar a hacer cruces culturales, en cuya revisión se da entonces ese cruce de historias, de imágenes, de formas, de ornamentos y de valores estéticos, que poco a poco en su obra van tejiendo relaciones inusitadas. En Varejão, existe una pregunta fundamental, y es por el cuerpo; pero esta pregunta se afronta por diversos caminos, a través de varias fuentes; estas direcciones la van a llevar a explorar formalmente diferentes soluciones artísticas, pero también estas referencias nutren y amplían la reflexión conceptual y cultural que desarrolla en torno al cuerpo. Esa multiplicidad de estrategias es lo que se puede percibir claramente en su retrospectiva, donde a primera vista cada obra parece apuntar a una preocupación distinta; pero tal percepción es un error, pues en Varejão la misma pregunta está latente en cada uno de sus trabajos. Entre las muchas posibilidades de abordar su obra y tratar de develar las reflexiones que subyacen en ella, se propone entonces un recorrido desde los siguientes puntos: apropiacionismo cultural o de imágenes y apropiacionismo material; el cuerpo cultural, el cuerpo abyecto y el cuerpo ausente.

Adriana Varejão acude a diversas fuentes culturales; entre ellas, aparece en primera instancia su país natal, Brasil, en cuyo bagaje cultural alberga tanto referencias indígenas, coloniales, científicas, decorativas como también la naturaleza misma, incluso el mar. Estas fuentes comienzan a conformar una cartografía de imágenes que posteriormente son apropiadas por Varejão en sus pinturas. Ese encuentro entre los dos mundos, el precolombino y el occidental, conllevó un cruce cultural, cuyo repertorio de imágenes ella comienza a consolidar: historias visuales que van integrando a su trabajo. Por ejemplo, referencias al indígena y al mestizo son tratadas por la artista; pero, al mismo tiempo, incluye esa visión del europeo sobre el mundo americano: esta cita la hace puntualmente a través de una serie de grabados que representan escenas de indios brasileños, cuyas estampas van a ser una de las referencias iconográficas más utilizadas por la artista en el transcurso de su obra. Seguidamente, el ingreso del cristianismo a esa amalgama cultural del Brasil va a aportar otra serie de imágenes; en este caso, la estética del barroco colonial, tanto desde el corte decorativo como desde el discurso sobre el cuerpo que se da a través de la figura de los santos mártires. Y, finalmente, el mundo científico del siglo XVIII también provee una iconográfica especial a ese repertorio que Varejão va construyendo para sí misma; entre esa compilación se destacan los mapas, pues este elemento entra a jugar en sus construcciones pictóricas y, al mismo tiempo, es una antesala de cómo el viaje llega a ser una premisa fundamental que la artista desarrolla, cuya aventura personal la lleva a hacer una serie de trayectos que indefectiblemente marcan nuevos derroteros en su búsqueda artística.

Adriana Varejão no solo apunta a las tradiciones culturales propias de su país, sino que persiste también en establecer conexión con otras fuentes foráneas, como en el caso de Portugal, que es el lugar originario de aquella tradición de azulejos que posteriormente se introduce a Brasil, y cuya estrategia visual es apropiada por la artista; este tipo de ornamentos es lo que le ha dado un carácter muy subjetivo, original y emblemático a su trabajo dentro del campo del arte contemporáneo latinoamericano. Esta tradición por la cerámica la conecta con otra fuente, China, cuya referencia cultural, visual y material ingresa en el repertorio de Varejão gracias a un viaje que la artista hizo a este territorio oriental, incluyendo Japón. En este caso, la cerámica y su estrategia decorativa se entrelazan con las tradiciones de Portugal y Brasil pero, al mismo tiempo, aquella iconografía tan particular del arte oriental también ingresa en ese repertorio visual que ella trabaja. Así, las fuentes que toma la artista se siguen multiplicando, y estas la llevan a encontrar nuevas posibilidades conceptuales y formales para su obra.

Otra conexión o punto de referencia que ingresa, aunque de manera tardía, a su trabajo son los baños públicos o turcos; esto se da luego de que la artista hiciera un viaje a Budapest. Esta nueva fuente la empuja por otras rutas de exploración y, aunque en este caso pareciera anular aquella tradición carnal que había prefigurado casi toda su obra, esa pregunta por el cuerpo no desaparece, persiste, pero ahora se transforma y adquiere un nuevo matiz. Esta vez, aquellos espacios vacíos hablan precisamente por la ausencia del cuerpo, es la tensión de que algún cuerpo está a punto de aparecer.

Toda esta cartografía cultural no solo le genera a Varejão la apropiación de una serie de imágenes, sino que, además, estas referencias las conecta con diferentes materiales y objetos que introduce a su repertorio pictórico, en el cual la técnica del óleo es la matriz principal. La apropiación material en ella se da por dos caminos: por un lado, está el artificio de generar —mediante la pintura— la simulación de un material, como sucede con la cerámica o el baldosín, que es representado de una forma fiel, donde incluso se alude a las imperfecciones de cuando está quebrado; además, le genera una intervención pictórica azul, igual a como se da en el material original. Paralelamente, este artificio, como maniobra, se extiende a la recreación de elementos abyectos, como intestinos, vísceras y órganos humanos que aparecen en algunas de sus obras. Pero, por otro lado, esa apropiación material se da puntualmente con la utilización de elementos reales, como platos, sillas, tela, botellas, papeles, que entran a generar nuevos dispositivos conceptuales y formales.

Ambas estrategias llevan a concebir una pintura objetual. Esta característica se da a tal punto, que el cuadro, en muchas de sus obras, adquiere la condición de un cuerpo humano: cuando ha sido atentado, mutilado y herido, a través de estos cortes, ese cuerpo-pintura-carnal se hace evidente.

La pregunta por el cuerpo es la premisa esencial que cruza el trabajo de Adriana Varejão, y es afrontada desde diversas referencias culturales, las que generan diferentes soluciones formales. Por un lado, ese cruce cultural queda en evidencia cuando la artista se hace un autorretrato como indígena o mestiza. Pero el cuerpo como experiencia carnal es la versión que más le interesa a ella; de ahí que aquellos grabados europeos donde se representan rituales de antropofagia sean la iconografía dramática y visceral que la artista reinterpreta constantemente en su obra; por lo tanto, ese cuerpo lacerado, mutilado, sacrificado y martirizado se convierte en el epicentro de las escenas que enuncian sus pinturas. Dando un paso más allá, Varejão abandona por momentos la representación figurativa de aquel cuerpo y se concentra en su experiencia carnal, donde esa condición visceral determina el contenido de la obra; a tal punto, que los bastidores son asumidos como si se trataran de cuerpos humanos: a la menor incisión sobre la piel, la sangre deviene como signo de que se está ante un cuerpo, y no ante un cuadro. Si rasgas la tela, aquello interno se hace externo; la sangre, los fluidos, la carne, las vísceras se ponen en evidencia al espectador. Ante la experiencia de cada uno de los bastidores-cuerpo que han sido agredidos, nos queda la sensación de que aquellos cuadros que no han sufrido herida alguna también contienen carne en su interior, y que solo es necesaria una pequeña incisión para que ese cuerpo se manifieste, y la sangre y la carne comiencen a aparecer.

En una etapa tardía del trabajo de Varejão, el cuerpo se asume ya con otra disposición. El dramatismo de la carne se ha dejado de lado, y el encuentro con una nueva referencia, como los baños públicos, le generan a la artista otra perspectiva de acercamiento e interrogación hacia el cuerpo. En esas arquitecturas vacías, silenciosas y minimalistas, el cuerpo en su prefiguración corporal o carnal ha desparecido, pero —como la misma artista lo sugiere en su discurso— el cuerpo aún está presente, aunque no lo veamos está ahí. Esa tensión que genera un lugar tan privado como un baño nos pone en otra relación con el cuerpo del otro, y la presencia de este podría darse desde dos posibilidades: el encontrarlo en una escena de horror como las que ya ella ha trabajado, o bien en un encuentro erótico. Este último aspecto, que no había aparecido en toda la trayectoria de la artista, es una idea que desde estas arquitecturas misteriosas y excitantes comienza a prefigurarse en su obra. En la presente retrospectiva, Historias en los márgenes, aquellas referencias culturales e imaginarios visuales han tenido un papel clave en la consolidación del universo pictórico que desarrolla Adriana Varejão, y en cuyos caminos ella busca redescubrir y acercarnos a esas visiones y experiencias del cuerpo; y, dado que en esta artista las referencias no parecen finalizar ni extinguirse, en un tiempo posterior muy seguramente Varejão nos sorprenda con nuevos acercamientos conceptuales y formales a ese cuerpo que tanto le interesa interrogar a través de su obra.

presenta “Tango Groove” en Notorious

29 de mayo – 21.30hs

El bandoneonista y compositor Ariel Hernández recorrió los últimos 20 años  por Europa como instrumentista de diferentes artistas. Compartió escenarios con el guitarrista flamenco Vicente Amigo, el saxofonista y clarinetista Paquito D`Rivera, el bandoneonista y cantautor Rubén Juárez, Juan Subirá de Bersuit Vergarabat y Antonio Batrina líder de Malevaje, entre otros.

Hoy es el bandoneón incondicional de Amelita Baltar y presenta su último trabajo discográfico Tango Groove en Notorious (Callao 966) el miércoles 29 de mayo a las 21.30 horas, junto a Martín Robbio en piano, Juan Fracchi en contrabajo, Demian González en percusión y Gemma Scaglia en violín.

El álbum propone un sonido propio e innovador fusionando los patrones del tango con elementos del jazz,  flamenco, pop, electrónicos y clásico. La renovación del material es el concepto de groove, que expresa una sintonía emocional compuesta por formulas rítmicas y melódicas totalmente novedosas. El disco revela una música nueva con identidad propia.

Ticketek: http://www.ticketek.com.ar/Conciertos/Tango/HERNANOTO13__HERNANOTO13

Notorious

Av. Callao 966

4813-6888 

El comercio ilegal de animales exóticos o especies en peligro es un negocio rentable que trastoca la biodiversidad y los ecosistemas del planeta.

Por: Candela Vizcaíno (corresponsal España)

El problema no es de ahora, pero se ha agravado en las últimas décadas. Y comienzo con un dato: aunque no se tiene constancia del volumen de negocio total, ya que es una actividad al margen de la ley, se estima que solo es superado por el tráfico de armas y de estupefacientes.

Esta lucrativa actividad se basa en un trasiego de animales y plantas a nivel planetario, que pone en peligro no solo la sostenibilidad y la biodiversidad de los ecosistemas, sino también la viabilidad de algunas especies. Ya a inicios de la década de los setenta, se planteó la necesidad de aunar esfuerzos, con un convenio internacional que firmaron casi todas las naciones desarrolladas. Eso fue el 3 de marzo de 1973, cuando se ratificó en Washington la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas y Flora Silvestre. Entonces, ¿no se está cumpliendo? Parece que no, y además el problema es tan complejo que constantemente surgen nuevas amenazas.

Tráfico de animales y especies en extinción

Pero empecemos poniendo un poco de orden. El comercio de animales y plantas, en principio, no está prohibido, ni es ilegal ni tampoco tiene que ser una amenaza para los ecosistemas, siempre y cuando se haga con sentido común y generosidad para con las criaturas. Desgraciadamente, esto está lejos de cumplirse, ya que la codicia y la arrogancia humanas (que no reconocen límites) tienen mucho que ver en este auténtico desaguisado. Circunscribiéndonos a los animales salvajes (no se cuentan los movimientos de ganado), salen de su hábitat por distintas razones:

• Para formar parte de zoológicos o parques naturales totalmente legales y estatales. En este caso, se intenta la cría en cautividad, y los traslados se desarrollan con respeto para que el animal no sufra ni enferme. Aquí, en principio, no habría problemas.
• Para incorporarse a granjas, normalmente con el fin de hacer usos de sus pieles. En este caso, en Europa, por ejemplo, las normativas son muy estrictas, y se vigila que no se produzcan ni crueldad ni daño para el medio ambiente. De aquí salen las pieles de visones o pitones para calzado o cinchos, por ejemplo.
• Como animales de compañía de caprichosos individuos de Europa y América del Norte, hasta hace apenas unos años, y de los nuevos ricos de China y el Sudeste Asiático en la última centuria. Las especies que se mueven de un lado a otro del planeta, en este caso, viajan en tan malas condiciones que tan solo un 10% logra sobrevivir. En este apartado, puede entrar desde una boa hasta un tigre. Recordemos que con esta práctica no solo se ponen en peligro los ecosistemas de procedencia del animal (al cazarse indiscriminadamente) sino también el de llegada. Cuatro boas pueden acabar con la población de conejos de un pueblo europeo, y un tigre, si se escapa de sus dueños, deberá ser abatido.
• Además, entre las clases adineradas del Sudeste Asiático, se está poniendo de moda tener un zoológico particular en casa, y no solo con animales exóticos sino también con especies amenazadas. El dueño de esta particular Arca de Noé demuestra así su triunfo social y económico ante invitados y posibles clientes. Con esta práctica, se sigue esquilmando, aun más, la naturaleza.
• Los colmillos de los elefantes o las conchas de la tortugas (para hacer objetos de carey), por ejemplo, también son motivo de tráfico, ya que el animal tiene que morir para que sus dientes o su caparazón sirvan como adorno. En Europa, en América, en Rusia, en África y en Asia, pueden encontrarse objetos preciosos realizados con estos restos de animales en peligro, como es el caso de los elefantes (tanto los africanos como los indios) y de la gran mayoría de tortugas de gran tamaño (ya sean terrestres o acuáticas).
• Y, por último, también se está poniendo de moda, en ciertas fiestas (de todo el mundo), el uso de partes molidas de hueso o cuerno con propiedades diversas y variopintas según la medicina tradicional. No vamos a cuestionar aquí la eficacia del Ayurveda que, en la gran mayoría de las plantas, especialmente, está demostrando (con estudios científicos) su eficacia. Otra cosa es la oportunidad. Aunque sirva el hueso de rinoceronte (el más demandado) para curar la resaca o como afrodisiaco, ¿vale la pena tomarlo si estamos liquidando la especie?

El tráfico de especies y sus cifras de negocio

Este movimiento incesante de criaturas de un lado para otro es, por un lado, un peligro para el planeta, por las razones expuestas al principio, pero también para las comunidades aborígenes que conviven con estos seres. Por supuesto, es un lucrativo negocio, pero tan solo para los intermediarios o vendedores finales. Ni que decir tiene que el cazador local recibe unas cuentas monedas, mientras que, en un mercado de Nueva York, o en el incipiente de Bangkok, el precio puede multiplicarse por 10.000.

Más datos de este negocio: se llega a pagar hasta 70.000 dólares por un loro azul de Brasil; 1.500 dólares por una boa; 25.000 dólares por un mono; 60.000 dólares por un kilo de cuerno de rinoceronte molido, y casi 80.000 dólares por veneno de serpiente, el cual se utiliza en cosmética con un efecto, al parecer, semejante al botox (que también es veneno).

Cuanto más exótico (esto es, único), más alto es el precio que se llega a desembolsar y, por tanto, más destrucción se emplea en su captura. Como he anotado un poco antes, el traslado de estos animales se hace en condiciones deplorables. Sin agua, sin alimento, con apenas un aliento de oxígeno, se mueven en cajas cerradas con el fin de evitar los controles de las aduanas. El resultado es que la gran mayoría llegan muertos a su destino, lo que merma aun más la población. España es uno de los destinos de entrada de especies americanas, y el SEPRONA (unidad encargada de la conservación ambiental, perteneciente a la Guardia Civil) interviene cargamentos casi a diario.

La lista de animales en peligro de extinción es amplia y va desde loros, ballenas y algunos tiburones hasta albatros y algunas especies de buitres. En los últimos años, son los grandes mamíferos, como elefantes o rinocerontes, los que se están llevando la peor parte, tal como denuncia WWF. Y eso sin contar la crueldad a la que están siendo sometidos tigres, leopardos, jaguares o algunos lobos, «joyas» de algunos zoológicos privados o presa principal en cacerías de lustre.

Otros animales, siendo salvajes, se reservan como mascotas sin tener en cuenta el peligro para la salud general, por la propagación de enfermedades. En este caso, sí podemos hacer mucho, ya que en cualquier lugar del mundo existen perros o gatos que se han adaptado a vivir con nosotros con la consiguiente alegría para todos. Siempre y cuando nos propongamos tratarlos bien.

La Universidad Argentina de la Empresa es, sin dudas, un paradigma en términos de educación en las ciencias empresariales. Sin embargo, esta institución no ha desatendido la necesidad de humanizar los contenidos de todas sus carreras, aportando elementos concretos para el reconocimiento y la integración a partir del arte. Con tres salas de exhibición y un anfiteatro al aire libre, conforma un centro cultural abierto a toda la comunidad. El desarrollo de un ciclo permanente de formación teórica, una temporada anual de exhibiciones y un calendario de programas abiertos constituyen los ejes de gestión de UADE Art, que desde 2009 lleva adelante su director, el licenciado Alejandro Cappelletti, director además del Departamento de Arte de la universidad, a quien entrevistamos en su despacho.

Por: María Jesús Rey

 UADE y el arte, una propuesta innovadora en el ámbito universitario argentino

Alejandro Cappelletti: UADE tenía la inquietud de incorporar las artes como forma de humanizar los contenidos de la universidad, y la forma de hacerlo fue, inicialmente, a través de un concurso de pintura. Yo ingreso en el 2009, y al año siguiente inauguramos UADE Art, con la consistencia de un centro cultural, tres salas de exhibición, una programación ininterrumpida de cinco muestras anuales, incluido el Concurso Nacional UADE de Pintura, que se lleva acabo desde el 2006 y es también responsabilidad de UADE Art. Al año siguiente, implementé una tríada de materias disponibles para los alumnos de la universidad. Tres iniciaciones a la comprensión del arte contemporáneo, desde la música, las artes visuales y las artes combinadas. Y, hoy por hoy, los alumnos de cualquiera de las carreras que admiten una materia fuera del programa deben cursar de manera obligatoria una de estas cátedras de arte.

El Concurso Nacional UADE de Pintura, en red con el mundo del arte local

AC: A través de este concurso, se establece una relación muy buena con el ambiente del arte en general, en primera instancia por el prestigioso jurado que la universidad convoca cada año y que legitima el concurso, y por otro lado, gracias a los artistas que deciden participar, que son seleccionados y eventualmente premiados por este jurado. El concurso tiene tres premios, que son adquisición y dos menciones honoríficas; a partir de esto, UADE armó una colección de pinturas  que están exhibidas en todos los lugares públicos de la universidad y en la nueva sede de Pinamar. Esto nos posibilita mostrarles arte a los alumnos de manera permanente.

Un espacio compartido por el arte visual y la música 

AC: En las salas de exhibición, hay un rincón que llamamos espacio sonoro y es una idea que concretamos gracias a un convenio que logramos con Yamaha, quien nos cedió cinco instrumentos musicales; nosotros los ubicamos en una de las salas, a disposición de los alumnos. Ellos pueden ir y usarlos en el momento que quieran. Una suerte de superposición de espacio visual y espacio sonoro. El concepto por el cual lo hicimos de esta manera es evitar el espacio de arte silencioso; nos interesa que converjan los distintos intereses artísticos.

Entre la empresa y el diseño 

AC: UADE comenzó hace cincuenta años siendo una universidad completamente dedicada a cuestiones contables, exactas, empresariales; es decir, ciencias bien duras. Luego se crea la Facultad de Comunicación y Diseño, en donde se ubican todas las carreras de diseño (audiovisual, gráfico, industrial, de interiores, multimedial, de indumentaria) y las de comunicación; publicidad, relaciones públicas, hotelería y gastronomía, gestión de medios y entretenimientos, entre otras. Estas propuestas fueron y siguen siendo un éxito, nuclean a un público totalmente distinto del de las carreras más tradicionales; de esta manera, se constituye una interacción muy provechosa, porque estos alumnos se forman en un lugar que no está para nada desvinculado a la empresa. Por otro lado, a través de UADE Art, pudimos entrar en contacto con los alumnos de las carreras empresariales, jurídicas, contables, carreras con intereses diferentes al del arte. Y se dio un circuito muy rico de retroalimentación interna a través de los estudiantes que se acercaban a UADE Art. Indudablemente, UADE Art ha logrado una conjunción altamente proteica para la formación de sus alumnos y para la comunidad en general, a punto tal que la revista Ñ lo ha seleccionado, en noviembre del 2012, entre los 100 museos imperdibles de la Argentina. Vemos entonces que la parcería entre arte y empresa, tan aparentemente desvinculados, se abre con UADE a un nuevo camino que vale la pena conocer en las salas de exhibición del imponente edificio de la calle Lima.

Visita guiada en Zurbarán.

Los invitamos a participar de la misma  invitarlos. 

Hoy a partir de las 19hs. .se realizará la inauguración de esta muestra con el Embajador del Reino de los Paises Bajos Hein de Vries.

UNA HISTORIA DE FOSFORERAS

De Cristina Ghione
Dirección de Agustina Ruiz Barrea

Domingos 20:30 hs
Hasta el 26 de mayo

CAFF (Club Atlético Fernández Fierro)
Sánchez de Bustamante 764 C.A.B.A.

Elenco:
Patricia Lardani, Luciana Buschi, Ana Ponce, Rocío Ríos, Marisabel Perillo, Eugenia Díaz,
Rosario Maranesi, Mariana Berger, Julieta Greco, Gastón Jeandet, Sabino Molina, Pablo Corradi, Aldo Perez

Músicos en vivo:
Juliana Corazzina (piano)
Ayelén García (violín)
Cristina Ghione (flauta traversa)
Esteban Ruiz (guitarra)

Música: Esteban Ruiz Barrea, Bernardo Santiago
Vestuario y Escenografía: Marcela Tazzioli
Colaboradora en Vestuario: Cristina Romero
Colaboradores de Arte: Paola Tazzioli, Marilina Viegas, Mariano Junio
Fotos: Lucía Santiago
Iluminación: Alejo De Falco
Prensa: Ayni Comunicación
Dirección: Agustina Ruiz Barrea
Autora: Cristina Ghione

En 1906 ocurrió una huelga de fosforeras en el barrio de Barracas.
Desandaremos esa historia iluminando la de tantas mujeres olvidadas, sus vidas, sus sueños, su trabajo en la fábrica.
Habrá música en vivo con una orquesta que interpretará danzones, chotis, valses, milongas.
Actrices y actores que darán vida a esas mujeres y a esos hombres de principios  del siglo XX con sus canciones y sus danzas. Proyecciones luminosas, precursoras de las diapositivas.
Será una historia de mujeres que cabe  en una cajita de fósforos.
Haremos luz entre las sombras.
Develando el pasado sabremos más de este presente.

Este espectáculo cuenta con el apoyo de MECENAZGO de la Ciudad de Buenos Aires

Victoria. Una historia de fosforeras
Domingos 20:30 hs
Hasta el 26 de mayo
CAFF (Club Atlético Fernández Fierro), Sánchez de Bustamante 764 C.A.B.A.
Entradas $ 30
o $25 reservando al mail: reservas@caff.com.ar
Duración del espectáculo: 50 min.