Por Margarita Gómez Carrasco

«El arte tiene sentido si transforma el sentido»[1] dice Horacio Zabala. Esa alquimia,  acontece en el universo pictórico de Marina Tortola. Sus obras impactan por sus colores vibrantes y grandes dimensiones. A modo de collage, surge de la materialidad,  un entramado de formas. Práctica poético-técnica que elije la artista para incorporar trozos de realidad.

En su producción artística se advierten dos procesos centrales, la expansión de la pintura abstracta sobre objetos geométricos y la intervención pictórica sobre las paredes del subterráneo, recursos que nos invitan a reflexionar sobre las estrategias y experimentos que componen su narrativa estética.

Para profundizar en su proceso creativo, El Gran Otro entrevistó a la artista:

¿A qué edad comenzaste a estudiar arte?

Formalmente en el IUNA a los 19 años, cuando termine el secundario, me llevó 6 años. El arte fue siempre casi el único medio de expresión que yo sentía viable de chica. Era un espacio donde yo dibujaba y creaba. Me ideaba mundos fantásticos y me imaginaba habitándolos, y así empecé.  Es un poco irónico porque de chica tenía problemas de visión y nunca me di cuenta, finalmente me tuvieron que operar de ambos ojos. Cuando salí de la operación veía todo brillante, todo tenia brillo! Y mi obra tiene mucho brillo, le doy 9 manos de hidrolaca así quedan plastificadas.

El brillo en psicoanálisis tiene connotación fálica, con esa característica armas un collage…

Si, un collage. Y mi tesis de IUNA también lo fue. Tengo muchas ideas al mismo tiempo, mi cabeza es un collage…. Creo que mi obra trata un poco de eso, de recolectar un montón de información, todas estas ventanas de ideas, traducidas en un nivel de materialidad, de textura, de brillo, de opacidad y líneas… y generar una nueva convivencia. Creo que mi obra puede tener varios puntos de vistas, que tenga apertura y que no sea cerrada. Hasta incluso que se pueda rotar y verse  desde nuevos lugares!

Que materiales utilizas?

La mayoría es acrílico: acrílicos metalizados e iridiscentes. Me interesa el concepto de lo holográfico, esto que según donde te ubiques percibís el brillo de diferente manera. Antes trabajaba con vinilo de holograma.

¿Qué es un vinilo de holograma?

Son vinilos metalizados, con brillo. Recortaba formas con eso y los pegaba. No sé qué surgió primero: si afinidad por la materialidad o el concepto en el que me metí, que es de física cuántica que habla del universo como un holograma. Tiene que ver con la percepción del todo según el lugar propio.

¿Cuánto tiempo te lleva armar una obra?

Lleva…lleva mucho tiempo.…

¿Un mes? Dos meses?

Y a veces más… Hay una obra que la tuve un año en el taller, la colgaba, la miraba y la iba trabajando. Como trabajo con muchas sucesiones de capas tengo que esperar que la obra seque y cuando retomo el trabajo a veces la voy rotando y retomo de otro lado, hay partes que tienen mucha cantidad de materia o chorreo. Y eso da tiempo a que la obra descanse y yo descanse de ella. Trabajo con muchas obras en paralelo, y así no pongo tanta tensión en una única obra.

¡Es lúdico¡

Si, si, ¡lúdico total! e Intuitivo…

Y emocional, digo por los colores…

Si, totalmente! Por eso es muy difícil de bajarlo a palabras.

¿Les pones nombre a tus obras?

Si, les pongo, siento que los títulos tienen que ver con otra cosa, yo pinto abstracto y siento que mis títulos son un poco para descolocar al espectador.

Por donde va tu línea de producción artística?

Hay algo de romanticismo, la percibo como la realidad actual: tiene que ver con toda la redundancia visual de estímulos que tenemos todo el tiempo: como un montón de textos superpuestos formando un nuevo texto. Tiene que ver con lo que nos pasa hoy en día, tenemos tantos estímulos que no vemos nada.

Guy Debord habla de la sociedad del espectáculo…

Si, aunque mi obra es una heterotopía,  habla de la diversidad de lugares que conviven en un espacio. Esta es mi búsqueda. Quizás en un futuro haga performance, o instalaciones…

¿Con que otros materiales quieres experimentar?

Tengo algunos relieves con espuma de poliuretano. Yo me veo más como una artista del espacio, me he planteado muchas veces que la bidimensional me limita, pero lo otro es una búsqueda que me va a llevar más tiempo.  Siento una afinidad con la cuestión espacial.

¿Consideras que tu obra es autorreferencial?

Sí, la siento muy autorreferencial porque habla mucho de mí. Yo me siento así, en ebullición.  El tamaño no fueron siempre las grandes dimensiones, sumar volumen y sumar tamaño me costó un montón. Y ahora me llama trabajar en mayores escalas. Hace poco me llamaron para intervenir una estación de subte, eran 3 paredes con 50 metros de largo y 3 de alto, fue un desafío enorme yo fui con una idea pensada pero cuando llegas ahí hay muchas cosas que surgen solas porque el espacio también te habla y eso está buenísimo que pase. La obra es proceso puro, es aquí y ahora.

 

 

¿Cuáles son tus referentes nacionales e internacionales?

Me gusta mucho Marcelo Pombo, es una obra impactante para ver en vivo, tiene una estética y una diversidad en materialidades que me atrae. Lucio fontana, Fabián Marcaccio…  De afuera me gusta mucho Ackerman, que tiene esta cosa de trabajar en  grande, y a mí me gustaría trabajar en gran escala…

Es interesante advertir como la subjetividad que emerge de tu obra…

Si, el arte es un camino de transformación, uno no lo elige, es algo que te atraviesa. Y vas aprendiendo mucho en el proceso.

¿Que obra  te representa más?

Hubo una que hice el año pasado, que sentí que me marco mucho, también tenía que ver con un proceso personal que estaba travesando.  Se titula «Lanza» y está colgada en el Castelli. Fue una obra que hice en poco tiempo, yo siento que ya estaba gestada desde adentro mío y que un día simplemente broto. Tiene una cosa muy explosiva de colores y manchas.  Ahora me estoy proponiendo trabajar con más aire y más descanso. Aunque siempre termino llenando…

El arte corre constantemente sus límites…

Si, es un lugar bastante peligroso…Porque es como un vale todo, hay algunos que lo hacen de corazón, con una propuesta que sustente la obra y que tiene un eje coherente con el artista… mientras que hay otros que no.

Si «vale todo» quiere decir que no vale nada….

Muchos juegan con eso. Pero cada uno decide cómo hacer las cosas, yo no podría hacer algo que no lo sienta, porque lo que hago lo hago con pasión y me atraviesa.

¿Proyectos?

Me interesa el tema espacial, es una búsqueda que empecé y después la deje. Es un tema netamente espacial que hay que ver a donde me llega. Algunas intervenciones… Estoy experimentando con la fotografía, haciendo maquetitas: espacios muy barrocos y con mucho brillo y de ahí hacer un registro fotográfico.

El valor de la obra de Marina Tortola reside en su fulgurante colorido, es como una marca que le imprime singularidad a sus paisajes abstractos y pletóricos de júbilo. Obras nacidas de las profundidades de su alma, pinturas que conmueven y, esa emoción trae a la memoria una frase de Quinquela Martín: «pinto el barrio de La Boca para llevarle alegría al pueblo».

 

Marina Tórtola es Licenciada en Artes Visuales orientación Pintura IUNA. Estudio con Pablo Siquier, Carlos Bissolino, Marcela Gásperi y  Carolina Antoniadis, Eduardo Médici y Tulio de Sagastizábal.

Obtuvo la Beca Pensar con los ojos, la Beca ECuNHI- Fondo Nacional de las Artes y la Beca para Proyectos grupales FNA. Expone su obra con regularidad en Galerías, Salas de Arte, Fundaciones y Subastas.

Subasta Caacupé en Malba y Areatec. Itinerarios Contemporáneos en Berlín con la Beca Ecunhi-FNA. Framing Reflections Miami. Selección de obra y exposición permanente. Holz- Concurso Primer Premio Plexo UNSAT.

www.marinatortola.blogspot.com.ar

 

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[1] Zabala Horacio, Marcel Duchamp y los restos del ready-made, Ed Infinito 2012 Bs. As.

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