Desde su irrupción en la escena del arte callejero inglés a principios del siglo XXI, Dean Stockton (Londres, U.K., 1978), aka D*Face, no ha dejado de plasmar sus trabajos alrededor del planeta hasta convertirse en uno de los referentes mundiales del movimiento. Con espíritu crítico, actitud subversiva y una iconografía pop inconfundible, D*FACE nos invita a dejar de «ver» y empezar a «mirar» el mundo que nos rodea. Hablamos con él acerca de sus trabajos, el Street art, y sus «hombres muertos».

 

Tu obra tiene una impronta pop, ¿qué es lo que te interesa del pop art?

Como una de sus fuerzas impulsoras, el éxito del pop art siempre ha atraído un amplio espectro de personas, y me incluyo. Debido a su frecuente uso de imágenes reconocibles, marcas y celebridades, me parecía una forma de arte mucho menos intimidante y también compartía un carácter lúdico con la ilustración de skate californiana, con la cual crecí y a la que amé. Sin embargo, a menudo he tenido la sensación de que la línea que siguen muchos artistas pop, entre arte y consumo, suele caer del lado de este último. En mi obra se ven muchos tropos de artistas como Warhol y Lichtenstein, no sólo porque me encanta el ingenio de sus obras, sino también porque quería hablar directamente de sus comentarios sobre la sociedad moderna. En parte, fue en la «desfiguración de sus obras, donde pude hacerlo».

 

¿Cuáles son los temas que tratas en tus obras?

Las relaciones, la comunicación, la calle, la tecnología son temas que aparecen con bastante frecuencia a lo largo de mi trabajo, a menudo en conjunción unos con otros. Creo que la tecnología y la comunicación son de particular interés en este momento porque siento que es algo que siempre se me escapa de las manos a medida que envejezco. El mundo de las redes sociales, los teléfonos inteligentes y las relaciones digitales se ha desarrollado rápidamente en la última década, al menos para mi forma de ver las cosas. Creo que es importante que reconozcamos eso hasta cierto punto, para poder mantener un control sobre nosotros mismos y comprender cómo nos proyectamos vía Internet y a través del lente de una cámara.

 

¿Cómo sabes qué imagen que creas es para un mural o para un lienzo?

La mayoría de las veces, las obras que dibujo para un mural acaban siendo también un lienzo, a veces, ligeramente modificado, pero con la misma imagen central. Cuando me piden que pinte una pared, trato de mantener el contexto de la ciudad, el pueblo o el espacio dentro de la obra, para dar un guiño al lugar que estoy pintando. También, de vez en cuando, aparece una nueva pared y pienso: «ese lienzo que pinté el año pasado se vería genial en ese lugar», y así sucede. En realidad, todo es bastante fluido.

 

 

¿Qué es el street art para vos?

Trabajar en el ámbito público te permite compartir tu trabajo con una comunidad o con gente sin límites, sin paredes de galerías ni actos pretenciosos: es arte para ser disfrutado a cualquier nivel, por cualquiera y por todos. Es una oportunidad para que la gente se involucre con la creatividad, el arte y el diseño en un entorno más informal y familiar; que no ejerce presión sobre el espectador. Para muchos artistas, es también una estupenda forma de hacer oír su voz de una manera que las galerías no son capaces de hacer. Lo veo como el arte en su forma más liberada.

 

¿Por qué en tus obras aparece habitualmente la figura del «hombre muerto»?

Esas figuras no tienen un significado fijo, son una imagen que disfruto crear, y juegan con la idea de desfigurar a una persona o personaje. Como a menudo aparecen junto a figuras femeninas, creo que la gente las ve como amantes perdidos o como un símbolo de una relación rota, pero esa es sólo una forma de verlo, no es buena ni mala.

 

¿Cuál fue el mural más difícil de hacer? ¿Cuál fue el que te gustó más?

No hay ningún mural que me venga a la mente como el más difícil; cualquier lugar en el que llueva mucho siempre hace que el trabajo sea mucho más complicado, lo que podría ser la razón por la que no tengo más murales en Londres. También es difícil elegir un verdadero favorito, pero suelo decir que Suck Face, en Miami, es mi favorito. Lo pintamos en el lateral de una escuela, y la reacción de los niños no tiene precio. Suelo recordar con más cariño esa reacción de los espectadores que la obra en sí.

 

¿Qué artistas contemporáneos te gustan?

Son demasiados para nombrarlos, pero algunos ejemplos de los que estoy viendo ahora mismo son Yusuke Hanai, Dan Rawlings y Taku Obata.

 

 

¿En dónde te gustaría ver trabajos tuyos?

Todavía hay muchos países en los que me gustaría pintar una pared y otros en los que ha pasado demasiado tiempo desde que los visité. Todavía me queda mucho de Asia por ver y mucha Europa por tachar de la lista. Si alguien que esté leyendo esto tiene una pared que quiera pintar en algún lugar exótico, ¡que me contacte!

 

¿Hay otras formas de arte: música, literatura, etc., que hayan influido en ti y en tu obra?

Sí, la música siempre ha jugado un papel importante en mi trabajo y en donde encuentro inspiración. En términos de estética, siempre me he sentido realmente involucrado en la escena punk, pero en cuanto a lo que más escucho, el hiphop está sin duda en el top de la lista. Creo que lo que más me interesa es la actitud que acompaña a cada estilo de música, cómo la gente se cambia a sí misma, quiénes son y qué hacen, casi exclusivamente en función de la música que escuchan y con la que se asocian. La música punk también comparte muchos lazos con la idea de desfigurar algo, la actitud anárquica que portan, el desafiar las normas, plantear preguntas y hacer retroceder muchos de los valores fundamentales de la sociedad. Definitivamente, sigo intentando capturar un poco de eso en mi trabajo.

 

¿Qué impacto crees que tienen tus murales en los lugares donde lo has realizado?

Uno positivo, espero. Me gusta la idea de alguien caminando por una calle por la que ha pasado miles de veces, pero nunca se detuvo a mirar a su alrededor, y un día aparezca ese nuevo mural de D*Face que lo haga detenerse, mirar hacia arriba y decir: «hey, nunca me había fijado en ese edificio». Para mí, hay algo divertido en cambiar la experiencia cotidiana de las personas, en tomar cosas que dan por sentadas debido a la sobreexposición y añadirles un pequeño giro desconocido que les haga dar un paso atrás y reconsiderar su experiencia.

 

 

¿Qué significa «D*Face»?

«D*Face» básicamente significa lo que acabo de describir: la acción de tomar algo familiar y cambiarlo, ya sea de una manera sutil o algo más dramática, para que pueda cambiar la forma en que miras ese algo en el futuro. Esa es la esencia.

 

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Hay muchas cosas en proyecto ahora mismo, estoy sumergiéndome en el mundo de las NFT, tomándome mi tiempo para considerar la forma correcta de hacerlo; creo que tiene un verdadero futuro en el arte, y el hecho de que sea tan accesible significa que comparte muchos de los valores fundamentales del arte callejero. Evidentemente, hay que solucionar algunos problemas y, mientras tanto, hacer pruebas, pero lo veo como una oportunidad creativa realmente emocionante. Luego, un poco más adelante, hay algunas exposiciones individuales que estoy preparando, y es algo que he echado mucho de menos en el último año. Tuve una exposición en 2020 en Taipei, pero no llegué a verla debido al Covid; es la primera exposición mía en la que no he podido estar presente. ¡Crucemos los dedos para que en las próximas vuelva todo a la normalidad!

 

 

Foto Portada: D*Face. Crédito fotográfico: Rebels Alliance.

 

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