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21 diciembre, 2022

Manuel Ocampo “Un Artista Popular”

Por Maximiliano Turri

Manuel Ocampo “Un Artista Popular”

“La teoría del Todo” sería el título alternativo para esta entrevista; es que la obra de Manuel Ocampo (Filipinas, 1965), plantea justamente eso: un campo pictórico donde todo es posible, todo está permitido, sin restricciones, ni filtros ni dudas. Una obra de una libertad apabullante que ha llevado al artista a exhibir en lugares la Documenta Kassel o la Bienal de Venecia. Veamos que tiene para decir un “artista popular”. 

 

Maxi Turri: ¿Qué es el absurdo para ti? ¿Cómo Opera en tus obras?

Manuel Ocampo: No puedo definir qué es “el absurdo” o no puedo decir qué es absurdo y qué no lo es. En ocasiones nos encontramos ante algo que podemos asumir como absurdo pero  que es algo totalmente normal. Supongo que lo “absurdo” es algo completamente normal, pero nos pasa por alto y desafía nuestra propia lógica. Entonces, si la gente ve mi trabajo como “absurdo”, solo es absurdo para ellos. No hago obras absurdas conscientemente, pero tal vez mi trabajo se enmarca dentro del estilo absurdo.

 

 

MT: ¿Dónde está el límite entre el caos y el orden (si es que existe tal cosa)?

MO: En la pintura, la línea entre el caos y el orden cae dentro de la visión o percepción de cada uno. Quiero decir, como artistas, tendemos a pretender que somos alquimistas (tal vez la forma en que pensamos cómo funciona nuestro arte es realmente lo que lo hace absurdo). Para hacer arte necesitamos estructura para que la pintura se adhiera a una superficie y no se quede flotando en nuestras cabezas. El orden ya está presente cuando se fabrica un producto, el caos sólo se produce cuando el resultado resulta desfavorable y no se vende nada.

 

 

MT: En tus obras aparecen símbolos y representaciones de distintas creencias y religiones, a veces yuxtapuestos en la obra y/o relacionados con figuras o temas y en que poco tienen que ver con lo que simbolizan o representan dichos símbolos ¿Qué representan en tus obras? ¿Es una abstracción de ellos; una subversión de los mismos?

MO: Soy un glotón del arte, así que puedes imaginarte que todas estas imágenes y estilos están dispuestos en una mesa como en un buffet de todo lo que puedas comer. Un glotón nunca escoge y elige, simplemente se mete todo en la boca. Son solo mis órganos digestivos los que eligen qué alimento vomitar o cuál mantener en su sistema. Quizás lo que se vomita de mi sistema es lo que se convierte en mi obra. Supongo que son abstracciones, no sé… depende de mi estado de ánimo.

 

 

MT: En otras obras tuyas aparecen palabras o frases, y en algunas, las frases son las que dominan la imagen, y hasta coinciden con el título de la obra ¿Qué objetivo tienen las palabras en tu pintura? Cuál es su aporte estético?

MO: Las letras y las palabras se convierten en figuras e imágenes cuando las pintas. Tal vez funcionan como distracciones porque no se me ocurre otra cosa para poner en ese espacio en blanco o tal vez pienso “el cuadro no está bien pintado así que pondré un texto como subterfugio. Pintaré una palabra en latín para sonar profundo e inteligente”. Las palabras están para engañar Una vez que los ves como elementos en una pintura y no los lees, la verdad sale a la luz.

 

 

MT: ¿Qué es la abstracción para ti?

MO: En pintura la abstracción es una cuestión de negociar el espacio que te ofrece una multiplicidad de entradas y salidas o quizás, en mi caso, excusas.

MT: En un mundo hipersaturado de imágenes sin significado, sentido y/o razón, ¿Cómo podemos entender el arte hoy?

MO: Creo que el arte ya ha permeado toda nuestra vida, simplemente no somos conscientes de que el origen de las cosas solía considerarse como arte. No sé cómo podemos entender el arte hoy, ya que todo el mundo está en el business del arte. Todo el mundo está haciendo arte excepto los artistas. Lo triste es que ahora que todo el mundo quiere ser artista y es el artista el que rechaza el arte y quiere ser burócrata, ideólogo, propagandista,  o lo peor de todo, político.

 

 

MT: La siguiente pregunta es de Diego Cirulli, un gran artista de Buenos Aires, a Diego le llama atención lo amplio de tu interés pictórico, histórico y cultural y cómo todo ello es llevado a una misma mecánica de producción de imagen. Entonces la pregunta sería ¿Cómo todo ese bagaje cultural es llevado a tu vínculo con la pintura? ¿Dónde pones el ojo? ¿Cómo piensa tu mano?

MO: Supongo que ello es porque vengo de un país y una cultura cuyo bagaje cultural es ligero. Filipinas es un país nuevo y su historia ha pasado por varios períodos de colonización. También es un país que experimenta más tifones que cualquier otro país, por lo que cualquier bagaje, ya sea cultural o histórico, se lo lleva el viento, la lluvia y las inundaciones. Las estructuras se destruyen, se lavan de nuevo y se reconstruyen de nuevo, pero en diferentes formas. Cualquier escombro que quede del desastre se puede usar como material sin importar de dónde provenga. Y tal vez estoy viendo todos estos símbolos, imágenes, signos que estoy usando como desechos para reciclar y reutilizar para mis pinturas. A menudo uso la imagen del buitre, un carroñero y tal vez nosotros, los filipinos, somos carroñeros, ya que buscamos nuestro sustento y nuestra supervivencia.

También por los desastres naturales que vivimos la memoria histórica es corta, se construyen pocos monumentos, y tener pocos monumentos hace a un país ahistórico. Y con esta “a-historicidad” surgen cosas raras porque las cosas no están tan predeterminadas, el significado está en constante cambio. Como el buitre que mencioné antes, puse mi ojo en el cadáver muerto de la historia del arte. ¿Cómo piensa mi mano? Tendrás que preguntarle a la mano (risas) pero en serio, puede ser por la memoria muscular.

 

Creme de la creme. Óleo sobre tela, 180 x 150 cm. 1994.

 

MT: ¿Cómo debemos replantear la historia de la pintura?

MO: Pienso que un conocimiento más amplio de la historia de la pintura que incluya también pinturas provenientes de civilizaciones no occidentales puede ayudar a replantear la historia de la pintura.

 

MT: En relación a las figuras y personajes que aparecen en tus pinturas, ¿Qué nos puede decir hoy el arte popular?

MO: Cuando dices “arte popular” ¿te refieres al arte “folk art” hecho por artistas fuera del mercado, arte “kitsch?”

 

MT: Si, puede ser el Folk art, o también el arte producido más allá de las estructuras comerciales y de los sistemas de arte profesional.

MO: No sé si puedo responder esto correctamente. El arte popular es una tendencia poco discutida en el arte porque tendemos a verlo como poco sofisticado o incluso kitsch. En Filipinas, la práctica y tradición del arte popular está casi extinguida. Recuerdo que hace más de diez años fui a este pueblo llamado Paete, en la Provincia de Laguna. Este pueblo es conocido por sus “woodcarvers”,  talladores de madera. Tallaban figuras religiosas. Un par de años después volví a Paete y todos estaban haciendo papel maché navideño para WallMart (una gran tienda en los EEUU). No pude encontrar más talladores de madera. Algunos han muerto y otros han dejado de tallar madera para hacer figuras navideñas de papel maché para el mercado estadounidense. Todo lo que ves aquí ahora se produce en masa. Es triste que esto esté pasando. Trato de pintar de la forma en que lo hago para capturar algún remanente del pasado y que está desapareciendo rápidamente.

Puedo decir, también,  que el “jeepney”(*) sigue siendo un arte popular en Filipinas que todavía está vivo Y que muchos artistas aquí, incluyéndome, estamos influenciados por su estética. Antes en las iglesias de aquí se podían ver  imágenes de calaveras, el diablo o diablos. Algunos estaban bellamente tallados y pintados y otros estaban hechos de manera ingenua, pero tenían su propio encanto. Ahora todo esto ya no existe. La iglesia ahora sigue una estética de diseño más suave y corporativo, pero es aburrida. No voy a la iglesia para el sermón; voy a la iglesia por el arte.

 

 

MT: ¿Qué papel ha jugado la historia de tu país en tu trabajo?

MO: No puedes negar la cultura que está formada por la historia de un país de donde uno viene y esto es especialmente cierto cuando se trata de las artes. Sin embargo, hay microhistorias, que es sinónimo de historia popular y local, en todas partes y probablemente las subculturas que provienen de estas microhistorias tienen más impacto en mi trabajo que la gran narrativa que conocemos como Historia. Estoy influenciado por las historias visuales de sectas, subculturas, teorías de conspiración y pseudociencias más que nada. Estoy interesado en el Anting Anting (**) y las oraciones “orasyones” que lo rodean. Usualmente inserto un “orasyon” en mis pinturas para alejar el mal y hacer que la pintura sea más poderosa. Por supuesto, hago esto de una manera poco seria, pero al mismo tiempo esto es lo que hace que mis pinturas se conecten con la microhistoria de mi país.

También la historia de la colonización de mi país ha jugado un papel en la formación de la actitud que muestro en mis pinturas. Siento que le doy a mi pintura algún elemento subversivo al ir contra la corriente y tal vez estoy cortocircuitando el significado y descolonizándolo. Creo que lo típico de los países poscoloniales es que el lenguaje del colonizador se bastardea y se invierte el significado.

 

Monuments. Óleo sobre tela, 200 x 190 cm. 2010.

 

MT: ¿Qué artistas te han influenciado?

MO: Estoy influenciado por mucho arte medieval anónimo. Me gusta lo poco serios que me parecen. Me gusta el arte popular y todas sus diferentes categorías. De alguna manera me considero un artista popular, un artista que tiene un total desprecio por ser contemporáneo, un artista totalmente poco serio. Con respecto a los artistas modernos: Francis Picabia es el que más me ha influido.

 

MT: ¿Qué artistas contemporáneos te interesan?

MO: Miro a muchos de los pintores belgas: Walter Swennen, Philippe Vandenberg, Roger Raveel, Raoul de Keyser. Su estilo es totalmente diferente  mís obras,  pero me gusta mirarlas. También Andy Hope 1930 de Berlín. Nuestras obras tienen ciertas afinidades entre sí. De los artistas filipinos, admiro las obras de Romeo Lee y Robert Langenegger.

 

Duro es el paso. Díptico. Óleo sobre tela, 300 x 247 cm. 1993.

 

MT: Muchas obras tuyas me dan la sensación de “urgencia”, de ser ejecutadas sin filtro, en un instante (no por tiempo, sino por “Momento”), dándoles una gran potencia visual ¿Cómo surge esa urgencia?

MO: Solo soy una persona impulsiva. Tal vez se deba a mi trastorno por déficit de atención e hiperactividad “TDAH”. Constantemente necesito estar haciendo y pensando en cosas y la mayoría de las veces el filtro mental no está activado.

 

MT: Recuerdo una vez que visité el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla y vi obra tuya en la capilla de la Cartuja, en los espacios ocupados antiguamente por obras de Zurbarán, (aquellas que retrataban a los cartujos). Me parecieron realmente increíbles. ¿Cómo fue realizar las obras para ese espacio, tan cargado de historia?

MO: Ya poner obra donde colgaban 3 Zurbarans antes,  es todo un honor, pero es un trabajo difícil y no puedo competir con los maestros, así que mi instinto fue ir por el camino completamente opuesto. Al convertirte en el payaso, mantienes tu dignidad. Pinté en un estilo “Cartoons” completamente plano con perros y gatos. Nada serio en absoluto.

 

Sin Título. Óleo sobre tela, 150 x 122 cm. 2012.

 

MT:¿Cuáles son tus próximos proyectos?

MO: Abrí una galería, se llama Talyer 15. Estaré dedicando parte de mi tiempo a organizar exposiciones. También estaré como comisario de una exposición de artistas de Manila y la región de Visayas Occidental para un museo en la ciudad de Iloilo, para mayo de 2023. Este será un gran proyecto ya que involucra a 42 artistas. También tendré una exposición en Madrid en la primavera de 2023.

 

Vegan Crucifixion. Óleo sobre tela, 182 x 122 cm. 2022.

 

 

(*) El ”Jeepney” es un trasporte publico muy popular en Filipinas. Es como un minibús el cual esta llamativamente decorado. Es considerado como un símbolo de la cultura y el arte Filipino (Nota del Autor)

(**) Practica de magia y hechicería mística, representada en amuletos, talismanes, grabados, tatuajes, etc. (Nota del Autor)

Foto de Portada: The Spectre of Comparison. MCAD. Museo de Arte Contemporáneo y Diseño, Manila. 2019.

 


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